Reflexión final, desde lo aprendido

Si me hubieran preguntado hace unos meses, probablemente no hubiera sabido contar nada sobre técnicas artísticas, la enseñanza del arte en los colegios, o su evaluación, pero ahora y a través de esta asignatura he comprendido con mucha mayor profundidad de que trata la enseñanza del arte.

Los primeros días, desde la definición del arte, su justificación, sus técnicas... me fui introduciendo en el mundo del arte, cosa que tenía olvidada desde secundaria, mirando un poco todo con las herramientas que nos ofrece internet, maravillandome con algunas obras que no conocía y horrorizándome con otras.

Tras esto llegó semana santa, en la que trabajamos la iconoteca, preparando diferentes obras para una posible aplicación didáctica en el aula. En este trabajo centré mi esfuerzo en varias cosas, lo primero que intenté lograr es que no sólo aparecieran contenidos de la asignatura de artes, utilizando para ello cuadros como las meninas, en los que pude utilizar otro tipo de contenidos, como por ejemplo contenidos de historia.

A parte de esto, como recientemente habiamos estudiado distintas técnicas artísticas, me aseguré de que no solo utilizaba la pintura, sino que añadí otras como la escultura y algunas que no habíamos llegado a ver en clase como el pixel-art o el pirograbado.

Como la materia está partida por la mitad, en este momento empezamos con la parte de música, pero el gran trabajo de la reinterpretación de una obra de arte nos impidió olvidarnos de esta parte de la asignatura:

Tras esto, entramos en temas mucho más compicados en relación a la enseñanza del arte, como es la evaluación o el desarrollo del arte en los niños, lo que nos llevó a adentrarnos en los textos y reflexionar a través de lo aprendido gracias a la teoría y a las prácticas realizadas.

Finalmente en esta parte de la asignatura disfrutamos con las obras que nestros compañeros y nosotros habíamos creado y expusimos nuestra obra.

Tras este resumen de la asignatura, yo creo que he avanzado mucho personalmente en el camino de admirar el arte y que si en un futuro, tuviera la oportunidad de ser profesor de arte, no lo haría como una asignatura más que dar, sino pensando, buscando el interés de los alumnos, que se utilicen distintas técnicas artísticas, dándoles herramientas para evitar los estereotipos, presentandoles recursos on-line, y dejando que se introdujeran en el arte cada uno a su manera, abriendo las puertas, pero sin obligarles a entrar.

También he comprendido la importancia de los proyectos, y las posibilidades que ofrecería una educación en el arte desde la transversalidad, que aporta mucho más conocimiento que una enseñanza desde el punto de vista autoexpresionista, que el entorno debe ser una de las principales preocupaciones del maestro y que debe actuar para ampliar el del alumno.

Que la evaluación ha de constar de varias fases, para lograr una evaluación continua, permitiendo que los propios alumnos se autoevalúen, y logrando así su participación en el proceso de evaluación.

Y por último, que en la escuela hacen falta nuevas ideas para la asignatura de arte, una remodelación de la asignatura que permita a los alumnos aprender, ya sea desde la experiencia artística, creando obras o aprendiendo más sobre sus pintores favoritos.

Queda decir, además, que no acaba aquí el blog. Esto es sólo un comienzo para seguir investigando el arte, y buscar nuevas maneras de llevarlo al aula, esperemos que de una forma novedosa.

A partir del proyecto de prácticas de mis compañeros ¿Puede el colegio ser un museo?

Una parte de nuestros compañeros de clase tuvo el prácticum de la asignatura de educación artística, más concretamente de la parte de arte, estos fueron al colegio "los sauces - sahats" un colegio donde una parte del espacio estaba dedicado a un museo construido por los alumnos, una cuestión interesante para comentar, ya que en la mayoría de los colegios no se utiliza el espacio de fuera de aula más que para colgar los murales que tienen que ver con las actividades determinadas que se van haciendo.

 Para comenzar, aunque no hemos tenido la oportunidad de ir al museo y verlo, si que hemos visto un texto del MUSAC en el que explica las posibilidades del museo con las aulas. En un primer momento, el texto explica unos principios básicos que son los que guían la programación. Aprovechando una escuela para la realización de un museo, estos principios pueden servir de guia también. Por ejemplo: "El museo debe aportar herraminetas a través del arte para vivir en sociedad, haciendo hincapié en las nuevas tecnologías, los medios de comunicación y la cultura visual en general". Esto, además de recordarme al texto "un mundo lleno de imágenes" conllevaría que el arte dejara de considerarse como una actividad casi "extracurricular" y empezara a utilizarse como método de formación. El arte daría al alumnado herramientas útiles tanto en la asignatura de plástica, como en su día a día, pero, desafortunadamente, para poder empezar a lograr esto habría que cambiar mucho la mentalidad de los profesores, lo que es realmente díficil, como decía al comienzo de esta asignatura.

Otro de los elementos que se hace mención en el textro del museo es partir de los intereses e inquietudes del alumnado, por lo que a través de una evaluación inicial, podríamos hacer que los estudiantes tuvieran un puente para entrar en el mundo del arte y así ampliar su entorno y atraerlos para que se interesen e investiguen por su cuenta el mundo del arte.

Nuestros compañeros en prácticas, dijeron que el colegio trabajaba el arte por proyectos, y que este año tocaba un proyecto de "pop art" pero, pese a que trabajar por proyectos esta bien, y puede ser muy enriquecedor para el alumnado, esto me suscita una pregunta: ¿Cómo se elige el proyecto? Una de las maneras de elegir un proyecto que yo considero equivocada es a través de los profesores o coordinadores de arte, pero esta manera permite elegir el proyecto y prepararlo a conciencia desde antes incluso de que comienze el curso, lo que puede otrorgar al proyecto una profundidad y unos objetivos más que deseables. Pero, en mi opinión, hay una forma, que aunque no permita preparar el proyecto de la misma manera, es mucho más deseable para los alumnos, y puede aumentar considerablemente el interés, este proyecto surgiría de la votación de todos los alumnos y alumnas del centro, desde infantil hasta el último curso de bachiller. El primer día se presentarían una serie de obras en las clases, y se pediría a todos los alumnos que votasen la que más les gustara trabajar. Tras esta votación, se haría un recuento y anunciaría la obra ganadora, para en las próximas semanas ir preparanado el proyecto. Así los alumnos descubrirían que tienen poder de decisión aparte de elegir por parte de sus intereses.

En resumen, un proyecto artístico, en mi pinión siempre debe empezar en los intereses del alumnado para ampliar su entorno, su interés y en este caso ser guiados por el profesor.

Volviendo al tema principal: Para que el colegio pueda actuar como un museo no sólo son necesarias las exposiciones y el tiempo. Es necesaria una constante participación tanto de los alumnos como de la comunidad educativa para lograr que no se quede estancado, que varíe cada tiempo y que se pongan objetivos para trabajar de manera transversal el arte, a través de distintas asignaturas y no como un hecho aislado, cosa que no pudimos ver en las prácticas de nuestros compañeros. Una de las cosas que se puede hacer es, por ejemplo trabajar el arte en la ciencia, a través de distintas técnicas. Pongo aquí un artículo sobre ello: LINK

Pese a las dificultades que ello suponga, considero que es necesario un cambio en la visión del arte en la escuela de acuerdo a mis compañeros de clase, la coordinadora de la asignatura dijo: "una hora de arte a la semana es suficiente, si sabes aprovecharla bien". Pero, si tomamos un modelo transversal de la enseñanza del arte, cabe destacar que, en realidad, no se está trabajando únicamente una hora a la semana. ¿Cambiará lo suficiente la escuela para adaptarse a los nuevos tiempos en el arte? Si, hay algunos profesores que dificilmente aceptan expresiones como el net-art como arte, o que ni siquiera lo conocen, lo más probable es que no, por lo que, es mi intención alentar a los profesores, mis compañeros de clase, y a la gente en general que se formen en el arte, creen su propia definición personal, y fomenten el interés por ello desde cualquier campo, ya que, poniendo el ejemplo que vimos en clase, Dalí trabajó el arte a través de los avances de la ciencia, demostrando una conexión, y como él, nostros hemos de ser capaces de buscar conexiones entre el arte y la vida diaria, ya seamos profesores, alumnos u oficinistas.

Juego de marcas: Nuestro proyecto al fin terminado.

Como he ido mostrando en entradas anteriores, nuestro proyecto consistía en la reinterpretación de una obra de arte llamada modern chess set, de Rachel Whiteread, tras nuestras ideas iniciales, decidimos que nuestra obra sería una instalación, y como instalación lo más importante sería el uso de ella.

Todo comenzó al principio de la asignatura, nuestras primeras ideas y discusiones, que con ayuda de nuestra profesora fue avanzando hacia la idea que terminamos haciendo.

La primera parte de la elaobración fue bastante dura: el montaje.

Varios días estuvimos en la casa de la juventud con cajas de cartones uniéndolas con cinta aislante, para la creación del tablero. Las medidas que propusimos es que cada cuadrado midiese 35x35 cm, por lo que el tablero en us totlaidad tendría que medir 280x280 cm, pero por aspectos prácticos hicimos que midiera 3x3 m. En esta parte del proyecto estabamos tán centrados que casi olvidamos la creación del juego que ibamos a hacer, pero poco antes del final de la elaboración, nos reunimos para pensar metáforas de las fichas y reunir las ideas que habiamos ido teniendo a lo largo del proceso de montaje.

Estas son algunas de las ideas que descartamos, por su dificultad, o por que no nos convencieron:

Sueños contra obstaculos: En el tablero, las piezas de un lado serían personas representando sus sueños y en el otro lado, otro grupo representando a los obstáculos. Esta idea no nos convenció porque pensamos que nadie querría ponerse en el lado de los obstaculos. Para seguir con esta idea pensamos en poner espejos en lugar de personas en el lado de los obstáculos, pero vinos que ya estaba un poco fuera de nuestro alcanze.

Personas contra marcas: Las marcas en un lado con logotipos o productos, y personas en el otro representándose a ellas mismas para representar la lucha entre el poder y control que buscan las marcas y el que tenemos las personas. Pero, para esta idea, vimos que probablemente las personas no participarían sino que se posicionarían y se irían, pero un desarrollo de esta idea es la que nos llevó a la idea que terminamos realizando.

La idea que realizamos, está cargada de simbolismo, tanto en las piezas como el tablero y el aspecto de "jugador peón".

Nuestra idea final conisitió, en pocas palabras, en representar la sociedad de consumo en un tablero de ajedrez. El tablero de ajedrez tenía colores brillantes y no brillantes, pero eran llamativos, representando la manera en la que la sociedad te atrae hacia su juego, las piezas importantes representaban a las grandes marcas, jerarquizadas según su posición, enfrentandose entre ellas con ayuda de los consumidores. Los peones, eran los consumidores y uno de ellos, además, estaba preparado para que el jugador se posicionara. El jugador, además, tenía la oportunidad de mover ficha, ya que los "peones", con su dinero, son los que mueven la sociedad.

Además, como instalación, la utilizamos y nuestro proyecto se basó en como lo utilizaba la gente y por lo tanto, grabamos un video de como lo utilizó la gente. Aquí dejo el video:

Los proyectos de mis compañeros: redefiniendo las obras de arte

Hoy, tras varios dias de exposiciones, han terminado de exponer sus proyectos mis compañeros de clase, y mentiría al decir que me he quedado indiferente. Volviendo la vista hacia el primer día caigo en la cuenta de lo mucho que hemos avanzado consciente e inconscientemente desde entonces, y por primera vez, puedo asegurar que lo que hemos visto en esta asignatura no ha caido para nada en saco roto.

Cada grupo partió con su definición de arte en su cabeza y con una obra que debía reinterpretar, la nuestra, como podéis ver en entradas anteriores era el modern chess set, pero en este momento no hablaré sobre nuestra reinterpretación, sino que lo dejaré para otra entrada.

Como iba diciendo, cada uno de nosotros partió con su propia idea del arte, que aplicó a la reinterpretación de una obra de arte, las cuales iban desde cuadros más o menos conocidos, como "Cronos devorando a sus hijos" hasta esculturas como el "Modern chess set" o imágenes de internet, es decir, que se pudo elegir.

Lo primero que quiero exponer, es que pese a que algunos compañeros, aún compartiendo obra, hicimos una reinterpretación completamente distinta, utilizando incluso distintas técnicas artísitcas, entre las cuales se encuentran ejemplos como el stop-motion que unos compañeros utilizaron para la realización de su obra, a la que titularon: "La selección artificial"






Otras obras, utilizaron técnicas artísitcas más convencionales, como la pintura, en sus diversos medios como por ejemplo la obra "La otra cara de la moneda" que combinaba la pintura de distintos tipos con otras técnicas como el collage, para que cada parte de la obra adquirese un significado propio.

También se vieron esculturas como la obra "IPAD 2012" e incluso instalaciones como la obra "H&M"

Sobre la primera obra, me gustaría comentar que aunque se pudieran mover las partes de la obra para formar una cara, era muy dificil realizar otra cara porque las piezas no lo permitían.

La tecnología también ha jugado un papel muy importante a la hora de la realización de nuestras obras, como se ha podido ver, varias de las obras consistían en fotografía retocada con programas como el PS. Este es el caso de las obras "¿Que es justicia?" y "the rotten apple"

Estas obtas utilizan el retoque digital para aportar significado, ya sea el color rojo en la obra "the rotten aple" o la invasión del ayuntamiento por los oprimidos de "¿Qué es justicia?

Una de las obras que más me llamó la atención fue la titulada "Cambio y tiempo"

En esta obra podemos apreciar como cambia el pensamiento y los intereses desde un niño hasta un adulto a través de las fotografías, por lo que es muy fácil verse reflejado y ver como has cambiado desde que eras un niño hasta ahora, con un efecto muy logrado, en mi opinión.

Este tipo de obras quizá no se puedan ver en primaria, ya que es necesario haber vivido en las dos fases para poder apreciarla en su totalidad, pero es una propuesta interesante para ver en la universidad.

En conclusión, una multitud de técnicas, un conjunto de obras y una reinterpretación personal por parte de cada grupo nos han llevado a tratar de entender mejor el arte, y de paso a darnos una actividad interesante para llevar a la escuela. Nosotros hemos sido capaces de hacer una reinterpretación de una obra, pero los niños también son capaces, además de ampliar su entorno, estas actividades favorecerán su desarrollo artístico, haciendo que se sientan creadores, y por ese motivo poniendo más interés en el arte en un futuro.

Además, con esta actividad, hemos demostrado nuestra capacidad para crear imágenes, es decir, ser productores y aportar nuestro simbolismo, como decía el texto "un mundo lleno de imágenes" y esto nos permite pensar en ver como son capaces de producir imagenes los niños de primaria con una actividad similar.

La Evaluación en el arte

Pese a mis dudas sobre el concepto de arte, y la clara dificultad que conlleva a los profesores la evaluación en una materia tan abstracta, hoy toca hablar de la evaluación en el arte.

De acuerdo a lo visto en clase, si hablamos desde una perspectiva autoexpresionista, la evaluación no tiene ningún sentido. Ya que la creación es propia de cada individuo, libre y personal, por lo que no nos corresponde judgarla, y de este modo, toda evaluación sería injusta, salvo una posibilidad, dejarla a manos del propio autor, que es quien ha creado la obra y por lo tanto es la única persona capaz de evaluarla desde un punto de vista crítico, pero los niños, todavía no han desarrollado el pensamiento crítico suficiente para evaluarse correctamente, y, por ejemplo, un riesgo que corremos haciendo esto es que todos los niños decidan que tienen un 10, o que un alumno con baja autoestima decida que se merece un 0. En conclusión, desde el punto de vista autoexpresionista, la evaluación, al menos en la escuela, no tiene nigún sentido.

En clase vimos una definición para la evaluación que decía lo siguiente: "La evaluación es la realización de un conjunto de acciones encaminadas a una recogida de datos en torno a una persona, hecho, situación o fenómeno con el fin de emitir una posterior toma de decisiones". Entonces ¿Cómo llevamos la evaluación al arte? Si tratamos de recoger una serie de datos, debemos contar con una serie de instrumentos, como tablas, en las que apuntar los criterios de evaluación que usaremos, y más aún debemos considerar la evaluación como un proceso, ya que, como marca la definicón, es una recogida de datos, no una única toma puntual de ellos. Por lo tanto, es recomendable llevar a cabo una evaluación formativa, que nos permita adecuar nuestro trabajo al entorno e intereses del alumnado, en el que al menos una parte podemos emplear para que los alumnos se autoevaluen y no basarnos solo en una evaluación sumativa.

No podemos olvidar tampoco, la evaluación inicial, utilizar cuestionarios, aprender sobre los intereses del alumnado... Todo esto nos puede dar una visión global de como podemos aplicar la docencia. Además, las expectativas que creemos para los alumnos serán realistas, y puede que sus intereses no sean los mismos que los nuestros, lo que nos supondrá un posible aumento de nuestros intereses gracias a los alumnos.

Cabe recordar, de el texto "Por qué enseñar arte" que enfoques, como el contextualista ya se basan en los intereses del alumnado, por lo que, existe una justificación teórica para utilizarlos, aunque a algunos profesores les puedan parecer infantiles.

De acuerdo a los diferentes enfoques, la evaluación cambiará. Como he comentado antes, desde el enfoque autoexpresionista, la evaluación no tiene sentido, ya que todo lo que realize el alumno es positivo, y la evaluación coharta la libertad de expresión del alumnado, pero este punto de vista ya está superado.

La evaluación desde el punto de vista de la corriente disciplinar sólo tendrá sentido si está vinculada a la experiencia estética, ya que esta es vista como una fuente de conocimiento y desarrollo del pensamiento crítico y flexible.

No se si podría comentar la evaluación que tuvimos en la escuela primaria, ya que no recuerdo que se utilizara ninguna pauta concreta, y no puedo determinar la corriente, pero por las actividades que hacíamos (básicamente dibujo libre y copiado) y sin centrarnos en el arte, creo que no se debe aplicar, sino que se deben mirar la mayor cantidad de variables posibles, en la mayor cantidad posible y teniendo en cuenta a cada alumno, lo que es utópico.

En un mundo lleno de imágenes, el horror del estereotipo estético

De acuerdo al texto "un mundo lleno de imágnes" la imagen ha tenido siempre un papel importante en nuestra sociedad, y más aún en estos tiempos, y por lo tanto todos los niños deberían ser capaces de producirlas e interpretarlas de una manera correcta. Para ello el alumno deberá aprender a manejarse en el mundo de la plástica y adquirir las herramientas necesarias para ello. Según Gardner, los el alumnado parte con el talento innato y su entorno, por lo que, pese a que, como profesores, no podamos hacer nada por el talento innato de nuestro alumnado, si que podemos mejorar el entorno, utilizando para ello todos los recursos que tengamos en el aula, poniéndo un énfasis en los recursos digitales, que nos permiten observar una multitud de obras pictónricas y no pictóricas, ampliando de esta manera el entorno artístico de los alumnos. También podría pedirse a los alumnos que, buscando obras en internet, realizaran un pequeño trabajo de investigación en el que a cada grupo de alumnos se le pida trabajar con distintos grupos d eobras, para después exponerlo y observar las diferencias. Así tanto dentro como fuera del aula recibirán herramientas para no caer en el estereotipo plástico, y poder hacer diferentes tipos de obras.

Pero ¿Como podemos definir el estereotipo plástico?  la definición con palabras puede resultar ambigua pero, de acuerdo a lo estudiado en clase podría definirse como: el abuso de los esquemas básicos cromático-plásticos que siendo ajenos a los niños son los que más usan. Para reforzar la definición dejo algunos ejemplos:

Casa:

Este dibujo, es el típico dibujo que un niño realiza sobre una casa, pero, cuando le preguntamos ¿Vives en esa casa? o incluso ¿conoces alguna casa parecida? los niños dicen que no. Entonces, ¿De dónde han sacado los esquemas? Si nos ponemos a mirar los libros de cuentos que leen los niños, y observamos con atención los dibujos, podremos reconocer muchos de los esquemas que utilizan para dibujar, como árboles, caras sonrientes o este tipo de casas, por lo que, podemos decir que estos cuentos que forman su entorno, han pasado a ser parte de sus esquemas y con el abuso de estos se forma el estereotipo plástico. Vuelvo a incidir en este punto en que para poder evitar este estereotipo lo mejor sería enseñarles muchos tipos diferentes de casa para que tuvieran donde elegir a la hora de dibujar.

Un fenómeno relacionado con el estereotipo plástico es la disneyizción, es decir, los niños ven películas de la factoría disney casi exclusivamente, y a partir de esas películas adqueiren una serie de esquemas que repiten abundantemente en sus creaciones pictóricas. En este especto, el entorno de los más pequeños se ve afectado únicamente por estas películas, haciendo que los niños no tengan otras herramientas.

Muchas teorías han especulado con maneras de evitar esto proponiendo otras opciones como la libertad total a la hora de dibujar, y así evitar esquemas, pero volviendo al texto de Gardner, en mi opinión lo más útil es reforzar su entorno con multitud de obras.

También, existen distintos tópicos y mitos entorno al problema del estereotipo plástico. Por ejemplo, consideramos que el arte debe representar la naturaleza y por lo tanto consideramos que el paso del grabato al dibujo es positivo, pero en realidad, un grabato puede tener un mayor significado pictórico que la propia figura dependiendo de quien lo dibuje.

El otro problema es que se considera al alumno como entes autónomos, cuando en realidad pueden no estar preparado para realizar los dibujos como el quiere, por lo que de primeras es importante acercar al niño a obras arrtísticas cercanas a su cultura y mostrarles que existen muchas maneras de resolver el mismo problema.

Para mostrar como el estereotipo plástico nos afecta, he contado con la ayuda de mi hermano Asier, de 17 años y mis primas nerea de 11 años y maitane de 8 años, todos ellos viven en mendillorri, mi hermano ha estudidado en el colegio sagrado corazón y mis primas estudian en el colegio "mendigoiti" a los 3 les he pedido que dibujen un árbol, una casa y una persona.

El dibujo de Asier:

En este dibujo vemos que la casa es completamente estereotípica, la persona está sonriendo y el árbol sigue la estructura que todos conocemos.

El dibujo de Nerea:

Aunque no se aprecie mucho, el dibujo muestra el arblo, con la estructura estereotípica y la casa también. La persona es su reflejo dibujado, con un vestido azul y que está sonriendo.

El dibujo de Maitane:

También se ven los mismos estereotipos. Maitane está en la fase de la literalidad, aunque no sé si ha estado copiandole a Nerea a la hora de hacer el dibujo.

Además, también quería contar con el dibujo de mi primo más pequeño, Jon, de 2 años, pero como no sabe hacer más que grabatos, mis tíos me han dicho que prefieren que no le pidiera.

De este modo queda constatado que los estereotipos existen en todas las edades, y que, en mi opinión sólo con un extenso trabajo de reflexión se podrían superar.