Reflexión final, desde lo aprendido

Si me hubieran preguntado hace unos meses, probablemente no hubiera sabido contar nada sobre técnicas artísticas, la enseñanza del arte en los colegios, o su evaluación, pero ahora y a través de esta asignatura he comprendido con mucha mayor profundidad de que trata la enseñanza del arte.

Los primeros días, desde la definición del arte, su justificación, sus técnicas... me fui introduciendo en el mundo del arte, cosa que tenía olvidada desde secundaria, mirando un poco todo con las herramientas que nos ofrece internet, maravillandome con algunas obras que no conocía y horrorizándome con otras.

Tras esto llegó semana santa, en la que trabajamos la iconoteca, preparando diferentes obras para una posible aplicación didáctica en el aula. En este trabajo centré mi esfuerzo en varias cosas, lo primero que intenté lograr es que no sólo aparecieran contenidos de la asignatura de artes, utilizando para ello cuadros como las meninas, en los que pude utilizar otro tipo de contenidos, como por ejemplo contenidos de historia.

A parte de esto, como recientemente habiamos estudiado distintas técnicas artísticas, me aseguré de que no solo utilizaba la pintura, sino que añadí otras como la escultura y algunas que no habíamos llegado a ver en clase como el pixel-art o el pirograbado.

Como la materia está partida por la mitad, en este momento empezamos con la parte de música, pero el gran trabajo de la reinterpretación de una obra de arte nos impidió olvidarnos de esta parte de la asignatura:

Tras esto, entramos en temas mucho más compicados en relación a la enseñanza del arte, como es la evaluación o el desarrollo del arte en los niños, lo que nos llevó a adentrarnos en los textos y reflexionar a través de lo aprendido gracias a la teoría y a las prácticas realizadas.

Finalmente en esta parte de la asignatura disfrutamos con las obras que nestros compañeros y nosotros habíamos creado y expusimos nuestra obra.

Tras este resumen de la asignatura, yo creo que he avanzado mucho personalmente en el camino de admirar el arte y que si en un futuro, tuviera la oportunidad de ser profesor de arte, no lo haría como una asignatura más que dar, sino pensando, buscando el interés de los alumnos, que se utilicen distintas técnicas artísticas, dándoles herramientas para evitar los estereotipos, presentandoles recursos on-line, y dejando que se introdujeran en el arte cada uno a su manera, abriendo las puertas, pero sin obligarles a entrar.

También he comprendido la importancia de los proyectos, y las posibilidades que ofrecería una educación en el arte desde la transversalidad, que aporta mucho más conocimiento que una enseñanza desde el punto de vista autoexpresionista, que el entorno debe ser una de las principales preocupaciones del maestro y que debe actuar para ampliar el del alumno.

Que la evaluación ha de constar de varias fases, para lograr una evaluación continua, permitiendo que los propios alumnos se autoevalúen, y logrando así su participación en el proceso de evaluación.

Y por último, que en la escuela hacen falta nuevas ideas para la asignatura de arte, una remodelación de la asignatura que permita a los alumnos aprender, ya sea desde la experiencia artística, creando obras o aprendiendo más sobre sus pintores favoritos.

Queda decir, además, que no acaba aquí el blog. Esto es sólo un comienzo para seguir investigando el arte, y buscar nuevas maneras de llevarlo al aula, esperemos que de una forma novedosa.

A partir del proyecto de prácticas de mis compañeros ¿Puede el colegio ser un museo?

Una parte de nuestros compañeros de clase tuvo el prácticum de la asignatura de educación artística, más concretamente de la parte de arte, estos fueron al colegio "los sauces - sahats" un colegio donde una parte del espacio estaba dedicado a un museo construido por los alumnos, una cuestión interesante para comentar, ya que en la mayoría de los colegios no se utiliza el espacio de fuera de aula más que para colgar los murales que tienen que ver con las actividades determinadas que se van haciendo.

 Para comenzar, aunque no hemos tenido la oportunidad de ir al museo y verlo, si que hemos visto un texto del MUSAC en el que explica las posibilidades del museo con las aulas. En un primer momento, el texto explica unos principios básicos que son los que guían la programación. Aprovechando una escuela para la realización de un museo, estos principios pueden servir de guia también. Por ejemplo: "El museo debe aportar herraminetas a través del arte para vivir en sociedad, haciendo hincapié en las nuevas tecnologías, los medios de comunicación y la cultura visual en general". Esto, además de recordarme al texto "un mundo lleno de imágenes" conllevaría que el arte dejara de considerarse como una actividad casi "extracurricular" y empezara a utilizarse como método de formación. El arte daría al alumnado herramientas útiles tanto en la asignatura de plástica, como en su día a día, pero, desafortunadamente, para poder empezar a lograr esto habría que cambiar mucho la mentalidad de los profesores, lo que es realmente díficil, como decía al comienzo de esta asignatura.

Otro de los elementos que se hace mención en el textro del museo es partir de los intereses e inquietudes del alumnado, por lo que a través de una evaluación inicial, podríamos hacer que los estudiantes tuvieran un puente para entrar en el mundo del arte y así ampliar su entorno y atraerlos para que se interesen e investiguen por su cuenta el mundo del arte.

Nuestros compañeros en prácticas, dijeron que el colegio trabajaba el arte por proyectos, y que este año tocaba un proyecto de "pop art" pero, pese a que trabajar por proyectos esta bien, y puede ser muy enriquecedor para el alumnado, esto me suscita una pregunta: ¿Cómo se elige el proyecto? Una de las maneras de elegir un proyecto que yo considero equivocada es a través de los profesores o coordinadores de arte, pero esta manera permite elegir el proyecto y prepararlo a conciencia desde antes incluso de que comienze el curso, lo que puede otrorgar al proyecto una profundidad y unos objetivos más que deseables. Pero, en mi opinión, hay una forma, que aunque no permita preparar el proyecto de la misma manera, es mucho más deseable para los alumnos, y puede aumentar considerablemente el interés, este proyecto surgiría de la votación de todos los alumnos y alumnas del centro, desde infantil hasta el último curso de bachiller. El primer día se presentarían una serie de obras en las clases, y se pediría a todos los alumnos que votasen la que más les gustara trabajar. Tras esta votación, se haría un recuento y anunciaría la obra ganadora, para en las próximas semanas ir preparanado el proyecto. Así los alumnos descubrirían que tienen poder de decisión aparte de elegir por parte de sus intereses.

En resumen, un proyecto artístico, en mi pinión siempre debe empezar en los intereses del alumnado para ampliar su entorno, su interés y en este caso ser guiados por el profesor.

Volviendo al tema principal: Para que el colegio pueda actuar como un museo no sólo son necesarias las exposiciones y el tiempo. Es necesaria una constante participación tanto de los alumnos como de la comunidad educativa para lograr que no se quede estancado, que varíe cada tiempo y que se pongan objetivos para trabajar de manera transversal el arte, a través de distintas asignaturas y no como un hecho aislado, cosa que no pudimos ver en las prácticas de nuestros compañeros. Una de las cosas que se puede hacer es, por ejemplo trabajar el arte en la ciencia, a través de distintas técnicas. Pongo aquí un artículo sobre ello: LINK

Pese a las dificultades que ello suponga, considero que es necesario un cambio en la visión del arte en la escuela de acuerdo a mis compañeros de clase, la coordinadora de la asignatura dijo: "una hora de arte a la semana es suficiente, si sabes aprovecharla bien". Pero, si tomamos un modelo transversal de la enseñanza del arte, cabe destacar que, en realidad, no se está trabajando únicamente una hora a la semana. ¿Cambiará lo suficiente la escuela para adaptarse a los nuevos tiempos en el arte? Si, hay algunos profesores que dificilmente aceptan expresiones como el net-art como arte, o que ni siquiera lo conocen, lo más probable es que no, por lo que, es mi intención alentar a los profesores, mis compañeros de clase, y a la gente en general que se formen en el arte, creen su propia definición personal, y fomenten el interés por ello desde cualquier campo, ya que, poniendo el ejemplo que vimos en clase, Dalí trabajó el arte a través de los avances de la ciencia, demostrando una conexión, y como él, nostros hemos de ser capaces de buscar conexiones entre el arte y la vida diaria, ya seamos profesores, alumnos u oficinistas.

Juego de marcas: Nuestro proyecto al fin terminado.

Como he ido mostrando en entradas anteriores, nuestro proyecto consistía en la reinterpretación de una obra de arte llamada modern chess set, de Rachel Whiteread, tras nuestras ideas iniciales, decidimos que nuestra obra sería una instalación, y como instalación lo más importante sería el uso de ella.

Todo comenzó al principio de la asignatura, nuestras primeras ideas y discusiones, que con ayuda de nuestra profesora fue avanzando hacia la idea que terminamos haciendo.

La primera parte de la elaobración fue bastante dura: el montaje.

Varios días estuvimos en la casa de la juventud con cajas de cartones uniéndolas con cinta aislante, para la creación del tablero. Las medidas que propusimos es que cada cuadrado midiese 35x35 cm, por lo que el tablero en us totlaidad tendría que medir 280x280 cm, pero por aspectos prácticos hicimos que midiera 3x3 m. En esta parte del proyecto estabamos tán centrados que casi olvidamos la creación del juego que ibamos a hacer, pero poco antes del final de la elaboración, nos reunimos para pensar metáforas de las fichas y reunir las ideas que habiamos ido teniendo a lo largo del proceso de montaje.

Estas son algunas de las ideas que descartamos, por su dificultad, o por que no nos convencieron:

Sueños contra obstaculos: En el tablero, las piezas de un lado serían personas representando sus sueños y en el otro lado, otro grupo representando a los obstáculos. Esta idea no nos convenció porque pensamos que nadie querría ponerse en el lado de los obstaculos. Para seguir con esta idea pensamos en poner espejos en lugar de personas en el lado de los obstáculos, pero vinos que ya estaba un poco fuera de nuestro alcanze.

Personas contra marcas: Las marcas en un lado con logotipos o productos, y personas en el otro representándose a ellas mismas para representar la lucha entre el poder y control que buscan las marcas y el que tenemos las personas. Pero, para esta idea, vimos que probablemente las personas no participarían sino que se posicionarían y se irían, pero un desarrollo de esta idea es la que nos llevó a la idea que terminamos realizando.

La idea que realizamos, está cargada de simbolismo, tanto en las piezas como el tablero y el aspecto de "jugador peón".

Nuestra idea final conisitió, en pocas palabras, en representar la sociedad de consumo en un tablero de ajedrez. El tablero de ajedrez tenía colores brillantes y no brillantes, pero eran llamativos, representando la manera en la que la sociedad te atrae hacia su juego, las piezas importantes representaban a las grandes marcas, jerarquizadas según su posición, enfrentandose entre ellas con ayuda de los consumidores. Los peones, eran los consumidores y uno de ellos, además, estaba preparado para que el jugador se posicionara. El jugador, además, tenía la oportunidad de mover ficha, ya que los "peones", con su dinero, son los que mueven la sociedad.

Además, como instalación, la utilizamos y nuestro proyecto se basó en como lo utilizaba la gente y por lo tanto, grabamos un video de como lo utilizó la gente. Aquí dejo el video:

Los proyectos de mis compañeros: redefiniendo las obras de arte

Hoy, tras varios dias de exposiciones, han terminado de exponer sus proyectos mis compañeros de clase, y mentiría al decir que me he quedado indiferente. Volviendo la vista hacia el primer día caigo en la cuenta de lo mucho que hemos avanzado consciente e inconscientemente desde entonces, y por primera vez, puedo asegurar que lo que hemos visto en esta asignatura no ha caido para nada en saco roto.

Cada grupo partió con su definición de arte en su cabeza y con una obra que debía reinterpretar, la nuestra, como podéis ver en entradas anteriores era el modern chess set, pero en este momento no hablaré sobre nuestra reinterpretación, sino que lo dejaré para otra entrada.

Como iba diciendo, cada uno de nosotros partió con su propia idea del arte, que aplicó a la reinterpretación de una obra de arte, las cuales iban desde cuadros más o menos conocidos, como "Cronos devorando a sus hijos" hasta esculturas como el "Modern chess set" o imágenes de internet, es decir, que se pudo elegir.

Lo primero que quiero exponer, es que pese a que algunos compañeros, aún compartiendo obra, hicimos una reinterpretación completamente distinta, utilizando incluso distintas técnicas artísitcas, entre las cuales se encuentran ejemplos como el stop-motion que unos compañeros utilizaron para la realización de su obra, a la que titularon: "La selección artificial"






Otras obras, utilizaron técnicas artísitcas más convencionales, como la pintura, en sus diversos medios como por ejemplo la obra "La otra cara de la moneda" que combinaba la pintura de distintos tipos con otras técnicas como el collage, para que cada parte de la obra adquirese un significado propio.

También se vieron esculturas como la obra "IPAD 2012" e incluso instalaciones como la obra "H&M"

Sobre la primera obra, me gustaría comentar que aunque se pudieran mover las partes de la obra para formar una cara, era muy dificil realizar otra cara porque las piezas no lo permitían.

La tecnología también ha jugado un papel muy importante a la hora de la realización de nuestras obras, como se ha podido ver, varias de las obras consistían en fotografía retocada con programas como el PS. Este es el caso de las obras "¿Que es justicia?" y "the rotten apple"

Estas obtas utilizan el retoque digital para aportar significado, ya sea el color rojo en la obra "the rotten aple" o la invasión del ayuntamiento por los oprimidos de "¿Qué es justicia?

Una de las obras que más me llamó la atención fue la titulada "Cambio y tiempo"

En esta obra podemos apreciar como cambia el pensamiento y los intereses desde un niño hasta un adulto a través de las fotografías, por lo que es muy fácil verse reflejado y ver como has cambiado desde que eras un niño hasta ahora, con un efecto muy logrado, en mi opinión.

Este tipo de obras quizá no se puedan ver en primaria, ya que es necesario haber vivido en las dos fases para poder apreciarla en su totalidad, pero es una propuesta interesante para ver en la universidad.

En conclusión, una multitud de técnicas, un conjunto de obras y una reinterpretación personal por parte de cada grupo nos han llevado a tratar de entender mejor el arte, y de paso a darnos una actividad interesante para llevar a la escuela. Nosotros hemos sido capaces de hacer una reinterpretación de una obra, pero los niños también son capaces, además de ampliar su entorno, estas actividades favorecerán su desarrollo artístico, haciendo que se sientan creadores, y por ese motivo poniendo más interés en el arte en un futuro.

Además, con esta actividad, hemos demostrado nuestra capacidad para crear imágenes, es decir, ser productores y aportar nuestro simbolismo, como decía el texto "un mundo lleno de imágenes" y esto nos permite pensar en ver como son capaces de producir imagenes los niños de primaria con una actividad similar.

La Evaluación en el arte

Pese a mis dudas sobre el concepto de arte, y la clara dificultad que conlleva a los profesores la evaluación en una materia tan abstracta, hoy toca hablar de la evaluación en el arte.

De acuerdo a lo visto en clase, si hablamos desde una perspectiva autoexpresionista, la evaluación no tiene ningún sentido. Ya que la creación es propia de cada individuo, libre y personal, por lo que no nos corresponde judgarla, y de este modo, toda evaluación sería injusta, salvo una posibilidad, dejarla a manos del propio autor, que es quien ha creado la obra y por lo tanto es la única persona capaz de evaluarla desde un punto de vista crítico, pero los niños, todavía no han desarrollado el pensamiento crítico suficiente para evaluarse correctamente, y, por ejemplo, un riesgo que corremos haciendo esto es que todos los niños decidan que tienen un 10, o que un alumno con baja autoestima decida que se merece un 0. En conclusión, desde el punto de vista autoexpresionista, la evaluación, al menos en la escuela, no tiene nigún sentido.

En clase vimos una definición para la evaluación que decía lo siguiente: "La evaluación es la realización de un conjunto de acciones encaminadas a una recogida de datos en torno a una persona, hecho, situación o fenómeno con el fin de emitir una posterior toma de decisiones". Entonces ¿Cómo llevamos la evaluación al arte? Si tratamos de recoger una serie de datos, debemos contar con una serie de instrumentos, como tablas, en las que apuntar los criterios de evaluación que usaremos, y más aún debemos considerar la evaluación como un proceso, ya que, como marca la definicón, es una recogida de datos, no una única toma puntual de ellos. Por lo tanto, es recomendable llevar a cabo una evaluación formativa, que nos permita adecuar nuestro trabajo al entorno e intereses del alumnado, en el que al menos una parte podemos emplear para que los alumnos se autoevaluen y no basarnos solo en una evaluación sumativa.

No podemos olvidar tampoco, la evaluación inicial, utilizar cuestionarios, aprender sobre los intereses del alumnado... Todo esto nos puede dar una visión global de como podemos aplicar la docencia. Además, las expectativas que creemos para los alumnos serán realistas, y puede que sus intereses no sean los mismos que los nuestros, lo que nos supondrá un posible aumento de nuestros intereses gracias a los alumnos.

Cabe recordar, de el texto "Por qué enseñar arte" que enfoques, como el contextualista ya se basan en los intereses del alumnado, por lo que, existe una justificación teórica para utilizarlos, aunque a algunos profesores les puedan parecer infantiles.

De acuerdo a los diferentes enfoques, la evaluación cambiará. Como he comentado antes, desde el enfoque autoexpresionista, la evaluación no tiene sentido, ya que todo lo que realize el alumno es positivo, y la evaluación coharta la libertad de expresión del alumnado, pero este punto de vista ya está superado.

La evaluación desde el punto de vista de la corriente disciplinar sólo tendrá sentido si está vinculada a la experiencia estética, ya que esta es vista como una fuente de conocimiento y desarrollo del pensamiento crítico y flexible.

No se si podría comentar la evaluación que tuvimos en la escuela primaria, ya que no recuerdo que se utilizara ninguna pauta concreta, y no puedo determinar la corriente, pero por las actividades que hacíamos (básicamente dibujo libre y copiado) y sin centrarnos en el arte, creo que no se debe aplicar, sino que se deben mirar la mayor cantidad de variables posibles, en la mayor cantidad posible y teniendo en cuenta a cada alumno, lo que es utópico.

En un mundo lleno de imágenes, el horror del estereotipo estético

De acuerdo al texto "un mundo lleno de imágnes" la imagen ha tenido siempre un papel importante en nuestra sociedad, y más aún en estos tiempos, y por lo tanto todos los niños deberían ser capaces de producirlas e interpretarlas de una manera correcta. Para ello el alumno deberá aprender a manejarse en el mundo de la plástica y adquirir las herramientas necesarias para ello. Según Gardner, los el alumnado parte con el talento innato y su entorno, por lo que, pese a que, como profesores, no podamos hacer nada por el talento innato de nuestro alumnado, si que podemos mejorar el entorno, utilizando para ello todos los recursos que tengamos en el aula, poniéndo un énfasis en los recursos digitales, que nos permiten observar una multitud de obras pictónricas y no pictóricas, ampliando de esta manera el entorno artístico de los alumnos. También podría pedirse a los alumnos que, buscando obras en internet, realizaran un pequeño trabajo de investigación en el que a cada grupo de alumnos se le pida trabajar con distintos grupos d eobras, para después exponerlo y observar las diferencias. Así tanto dentro como fuera del aula recibirán herramientas para no caer en el estereotipo plástico, y poder hacer diferentes tipos de obras.

Pero ¿Como podemos definir el estereotipo plástico?  la definición con palabras puede resultar ambigua pero, de acuerdo a lo estudiado en clase podría definirse como: el abuso de los esquemas básicos cromático-plásticos que siendo ajenos a los niños son los que más usan. Para reforzar la definición dejo algunos ejemplos:

Casa:

Este dibujo, es el típico dibujo que un niño realiza sobre una casa, pero, cuando le preguntamos ¿Vives en esa casa? o incluso ¿conoces alguna casa parecida? los niños dicen que no. Entonces, ¿De dónde han sacado los esquemas? Si nos ponemos a mirar los libros de cuentos que leen los niños, y observamos con atención los dibujos, podremos reconocer muchos de los esquemas que utilizan para dibujar, como árboles, caras sonrientes o este tipo de casas, por lo que, podemos decir que estos cuentos que forman su entorno, han pasado a ser parte de sus esquemas y con el abuso de estos se forma el estereotipo plástico. Vuelvo a incidir en este punto en que para poder evitar este estereotipo lo mejor sería enseñarles muchos tipos diferentes de casa para que tuvieran donde elegir a la hora de dibujar.

Un fenómeno relacionado con el estereotipo plástico es la disneyizción, es decir, los niños ven películas de la factoría disney casi exclusivamente, y a partir de esas películas adqueiren una serie de esquemas que repiten abundantemente en sus creaciones pictóricas. En este especto, el entorno de los más pequeños se ve afectado únicamente por estas películas, haciendo que los niños no tengan otras herramientas.

Muchas teorías han especulado con maneras de evitar esto proponiendo otras opciones como la libertad total a la hora de dibujar, y así evitar esquemas, pero volviendo al texto de Gardner, en mi opinión lo más útil es reforzar su entorno con multitud de obras.

También, existen distintos tópicos y mitos entorno al problema del estereotipo plástico. Por ejemplo, consideramos que el arte debe representar la naturaleza y por lo tanto consideramos que el paso del grabato al dibujo es positivo, pero en realidad, un grabato puede tener un mayor significado pictórico que la propia figura dependiendo de quien lo dibuje.

El otro problema es que se considera al alumno como entes autónomos, cuando en realidad pueden no estar preparado para realizar los dibujos como el quiere, por lo que de primeras es importante acercar al niño a obras arrtísticas cercanas a su cultura y mostrarles que existen muchas maneras de resolver el mismo problema.

Para mostrar como el estereotipo plástico nos afecta, he contado con la ayuda de mi hermano Asier, de 17 años y mis primas nerea de 11 años y maitane de 8 años, todos ellos viven en mendillorri, mi hermano ha estudidado en el colegio sagrado corazón y mis primas estudian en el colegio "mendigoiti" a los 3 les he pedido que dibujen un árbol, una casa y una persona.

El dibujo de Asier:

En este dibujo vemos que la casa es completamente estereotípica, la persona está sonriendo y el árbol sigue la estructura que todos conocemos.

El dibujo de Nerea:

Aunque no se aprecie mucho, el dibujo muestra el arblo, con la estructura estereotípica y la casa también. La persona es su reflejo dibujado, con un vestido azul y que está sonriendo.

El dibujo de Maitane:

También se ven los mismos estereotipos. Maitane está en la fase de la literalidad, aunque no sé si ha estado copiandole a Nerea a la hora de hacer el dibujo.

Además, también quería contar con el dibujo de mi primo más pequeño, Jon, de 2 años, pero como no sabe hacer más que grabatos, mis tíos me han dicho que prefieren que no le pidiera.

De este modo queda constatado que los estereotipos existen en todas las edades, y que, en mi opinión sólo con un extenso trabajo de reflexión se podrían superar.

Una pequeña investigación "El arte a través de internet, Pixel-art y aplicación del mismo en el aula"

Volvamos a donde empezamos. Si te pregunto: ¿Qué es arte? probablemente me responderas de una manera muy distinta de mi, y como yo y como tú, cada persona tendrá su propia definición, y habrá quienes consideren arte lo que tu no, y otras no considerarán arte lo que tu si, pero, uno de los medios en los que siempre he considerado que hay arte, pero mucha gente sigue negándolo es el internet.

En mis viajes a través de internet, más de una vez he quedado soprendido ante las "firmas" de los usuarios en los foros y distintos blogs, una expresión artística basada muchas veces en videojuegos, manga o anime. En mi opinión esta es otra forma de arte que se no tiene nada que envidiar al arte que se expone en los museos, y que otorga una visión especial a la hora de comprender el arte.
Probablemente todos hayamos visto más de una vez banners publicitarios e imagenes animadas en internet que no nos han dejado indiferentes. Estas creaciones permiten a los creadores expresarse bajo un anonimato virtual sobre temas que ya conocen con programas como el photoshop obteniendo creaciones únicas creadas con su propio estilo y que raramente son vistas por gente que no es de su entorno virtual y que tiene distintos gustos, pero que merecen ser comentadas en este blog. Dejo algunos ejemplos:

En esta imagen, el autor, que se hace llamar amateratsu@9 ha escogido a la célebre vocaloid Hatsune Miku y ha añadido un fondo y brillos para resaltar su imagen, utilizando esta para mostrar su nick en una página web.

Los usuarios, muchas veces basan en el anime, es decir, la animación japonesa, sus firmas añadiendo ellos luces, brillos y fondos para remarcar su cuenta en los distintos foreos con la ayuda de programas de modificación digital de las propias imagenes. En esta observamos a Yagami Raito, del anime Death Note con "pinceladas de color" digitales y el nombre del usuario "Peppeh" en ella. Cabe destacar que son necesarias horas para hacer firmas digitales y que algunas tienen una complejidad y acabado en detalles que dificilmente se podría lograr con la pintura u otros medios de expresión artísitcos.
Más los propios usuarios son aquellos que comparten sus técnicas con los demás, lo que propicia la expansión de este "arte" para los que no saben hacerlo. Un ejemplo es este tutorial que nos deja el usuario "nocqdecirh30" de Taringa.net

Internet no es sólo una manera de expresión del arte, sino una manera de enseñar a los demás tu manera de expresión y aprender de ellos también, como demuestran los propios usuarios que enseñan con sus tutoriales a ralizar las firmas. Al final de esta entrada colgaré tutoriales realizados por diversos usuarios, por si hay alguién que quiere aprender a realizar firmas con photoshop.

Probablemente a los usuarios de internet más veteranos les suenen páginas como devianart, una auténtica galería de arte en la web en la que particulares e incluso empresas cuelgan sus imagenes y las comparten con todos los usuarios de internet.

Un ejemplo es este personaje de el juego de cartas llamado "The legend of the 5 rings" que nos ofrece desde devianart el usuario aprillee

Pero, no sólo se pueden ver imágenes de este estilo en Devianart, sino que encontramos incluso fotos de esculturas hechas por los propios usuarios (que a veces incluyen la intención de venta) como vemos en este ajedrez de unicornios hecho por el usuario indigo-ocean

Tras estas explicaciones sobre el tipo de arte que podemos encontrar en internet, me gustaría introduciros otro tipo de arte que se ve casi exclusivament en Internet: el Pixel-art.

 De acuerdo a Wikipedia El pixel art es una forma de arte digital, creada a través de una computadora mediante el uso de programas de edición de gráficos rasterizados, donde las imágenes son editadas al nivel del píxel. Las imágenes de la mayor parte de los antiguos videojuegos para PC, videoconsolas y muchos juegos para teléfonos móviles son consideradas obras de pixel art. Posee similitudes con el puntillismo, difiriendo principalmente en las herramientas para la creación de las imágenes: computadoras y programas en lugar de pinceles y lienzos.
Un ejemplo de pixel art es por ejemplo esta ciudad contruida pixel a pixel realizada por el usuario de Taringa santico0307

Este tipo de arte nos abre otra manera de dar la clase de Educación artística, ya que para poder realizar este tipo de obras no necesitamos ordenadores modernos ni materiales que valen su peso en oro. Todo lo que necesitamos es un ordenador que soporte programas como Paint, al que soportan la mayoría de los ordenadores, y un poco de paciencia para ir componiendo pixel a pixel. Además, hay paginas web que permiten a los usuarios hacer este tipo de creaciones trabajando en equipo. Uniendo esto al colorido y parecido a los dibujos animados, puede ser una herramienta de motivación para comvertir a los estudiantes en jovenes artistas, no pidiendo que hagan obras como la ciudad mostrada anteriormente, sino, por ejemplo, pidiendo que se dibujen ellos mísmos utilizando pixeles, o pidiendo que hagan un pequeño paisaje. De esta manera aquellos estudiantes que tengan alguan dificultad para expresarse a través del dibujo podrán ver que existen otras maneras de expresarse, y en el marco de la era digital, aprender a manejar cualquier programa les será util para su futuro, y con el uso de estos programas comprenderán que el ordenador no sirve unicamente para jugar a juegos y buscar cosas por internet, sino que verán que también sirve para expresarse.
Una propuesta: Dibujarse en Paint
Para enpezar con un programa de este estilo, me parece que el propio alumno puede encontrar motivante dibujarse el mísmo cuadrito a cuadrito. Primero se hará de una forma simple y luego irá añadiendo detalles y colores. Es interesante para el profesor ver como va evolucionando la técnica del alumno, si usa tonos oscuros para las sombras, si da volumen, si juega con los colores, el parecido con la realidad...
Un ejemplo propio de lo que los alumnos podrían hacer en un primer momento:

La actividad un poco más avanzada cambiaría con el alumno añadiendo detalles y colores:

Y así podríamos trabajar el arte de otra manera, llamativa para los alumnos y al que se pueden ir añadiendo cosas como, un paisaje después de tu imágen, juntarla con la de un compañero...










En conclusión, a parte de las técnicas artísticas vistas en clase existen otras muchas que se pueden explotar en el aula, permitiendo a los alumnos explorar nuevos tipos de arte y a la vez aprendiendo y disfrutando con el arte desde las posibilidades que nos abren las nuevas tecnologías, que los niños desde una edad temprana saben manejar y que permitirían una enseñanza mucho más significativa y global del arte frente al estudio de solo imagenes y esculturas, como hemos visto en clase. Además el alumno se puede sentir más identificado participando de este modo, y se otorga una nueva forma de expresión a los que se expresan mal haciendo sólo dibujo.

En conclusión:

En internet podemos ecnocntrar diferentes formas de expresión artística

El pixel art se puede simplificar de modo en el que los alumnos puedan entrar y participar acorde a sus niveles

Es necesaria la actualización de la enseñanza del arte con los nuevos caminos abiertos por las TIC.

Con esto y los enlaces que he prometido antes acabo.


Tutoriales Photoshop:
http://www.taringa.net/posts/arte/9049162/Tutorial-de-como-hacer-firmas-con-el-Photoshop.html  por nocqdecirh30
http://www.taringa.net/posts/hazlo-tu-mismo/14575180/Tutorial-Photoshop-_Firma_Banner_CS3-CS4_-2__.html por PES010
http://www.taringa.net/posts/info/14184414/Photoshop-Cs5-_-Tutoriales-_full_es_.html por idzv

Para profundizar en Pixel art
Wikipedia
Pixeljoint
Goon tower (Impresionante trabajo de pixel art)

Las técnicas artísticas

Recordando mi infancia he visto que en primaria, seundaria e incluso bachiller es poca la información que he recibido sobre las técnicas de arte, lo cual es en parte lógico, ya que escogí estudiar a partir de 4o de la ESO ciencias, y en parte triste, porque me he quedado sin ver muchas cosas que podría haber disfrutado y comprendido mejor a través del arte. Las técnicas las veiamos en clase de Sociales, no en plástica, por lo que tampoco las veíamos desde una perspectiva artística, sino histórica. Por esto cabe decir que la formación en artes de los niños de hoy en día, al menos los que estudiaron en mis años, es pobre y no está adaptada a la visión del arte actual. El arte es capaz de abrirnos la mente y estudiarlo nos abre nuevas perspectivas, como he dicho anteriormente en este blog, pero estudiar una parte del arte no nos facilita esas nuevas perspectivas, y mucho menos en una sociedad donde la imágen es evidente en todos los aspectos de la vida, como las señales de tráfico, la televisión o internet.

Las técnicas que llegue a ver durante mi formación pre-universitaria fueron la pintura y la escultura, es decir, las más utilizadas a lo largo de la historia, pero, estas visiones se quedan anticuadas frente al auge de nuevas técnicas artísticas que ha habido estos ultimos años, posibilitadas entre otras cosas por internet y los cambios en la visión de la sociedad. Voy por ello a hablar de la pintura y la escritura, pero también de otras técnicas como la performance, el happening y el net-art.

Primera técnica: La Pintura.

Marcada por el avanze de la historia, la pintura ha sido siempre uno de los medios más utilizados para expresarse artísticamente, desde la edad de piedra, cuando se le daba un significado mágico a esta, hasta la socidedad contemporanea, en la que se le dan todo tipo de interpretaciones, desde una queja social en los graffiti hasta la expresión de la belleza en una pintura hiperrealista.

Paolo Cagliari - Cristo entre los doctores

La pintura ha tenido dos momentos clave en su historia, el renacimiento y el siglo XX. En estos momentos se ha experimentado con la pintura y esto la ha llevado a cambiar y a evoluconar de una manera increíble. En el primer momento de cambio, el renacimiento, la pintura pasó a considerarse una ventana al exterior, una ventana donde poder ver reflejada la realidad, para ello se utilizaron nuevas técnicas, como el volumen y nos permitió ver más allá de la comunicación propia de la pintura. Tras esto en el siglo XX la pintura pasó por una nueva revolución donde primaron los fines no pictóricos y esto permitió el auge de nuevas técnicas abstractas como el cubismo.

Merello - Bodegón Granadino

La escultura:

Desde la época clásica, la escultura ha servido para expresar el volumen de una figura, jugando con el espacio y el material. El material es uno de los aspectos más importantes de la escultura ya que puede dar un significado a la escultura u otro. Por ejemplo, la mísma escultura echa con piedra o madera nos dan diferentes significados. mientras la piedra otorga rigidez, la madera da una mayor senscación de calidez, pero también de fragilidad y temporalidad. El espacio también ha cambiado desde la época clásica hasta ahora. Antes, la escultura se hallaba en un espacio preparado para su admiración pero no para que se interactuara con ella, pero, con el paso del tiempo, esto ha cambiado hacia las instalaciones, esculturas en las que una persona se puede meter e interactuar con la obra, por lo que vemos que el cambio sufrido por la escultura es muy grande.

Laconte y sus hijos

Leandro Erlich - Leandro's pool

Tras estas dos técnicas, las que todos vosotros conoceréis mejor, aparece el arte conceptual, un nuevo estilo de arte, mucho más rompedor que se puede considerar una crítica al arte anterior. Dentro de estos movimientos se encuentran las performances, los happenings y el net-art.

Las performances:

Las performances son acciones que se llevan a cabo en un lugar determinado y son efímeras, lo que se puede considerar una crítica al sistema artístico que ha estado impasible durante siglos. En mi opinión la mejor manera de descubrir las performances y todo este tipo de arte es verlo:



El happening:

Es una mezcla de improvisación y azar que puede cambiar por la reacción del público y busca que la persona forme parte de la obra.




El net-art:

La poderosa difusión otorgada por el internet a cualquier cosa permite al arte difundirse en la web también

http://www.elviajero.org/wait/  

Y, ¿Qué es lo que tienen que ver todas estas técnicas artísticas con la enseñanza del arte? En nuestra educación pre-universitaria pocos o casi ninguno de nosotros habíamos visto estas técnicas, ya que, por ejemplo el net-art era una forma de expresión que todavía no había nacido, y por lo tanto no se podían estudiar como ahora, pero, en un mundo lleno de imagenes como el actual, el estudio del arte como hasta ahora ofrece pocas estrategias para crear o interpretar las imagenes existentes, que debe considerarse el mayor reto de la educación artística. Y ya no hablo solamente de arte. Las imagenes están a diario en su totalidad en la publicidad, las señales, los libros de texto... y por lo tanto, es necesaria una adaptación de la persona. Ese debe ser el fin de la educación artística. Para ello, es recomendable conocer varios tipos de arte, no caer en el abuso de esquemas que denominamos el estereotipo y de este modo mejorar la cultura artística y el entorno de la persona en cuestión.

Es por esto por lo que se deben utilizar las distintas expresiones artísticas, además de objetos de la cida cotidiana, como señales o cómics para la educación artística.

Comenzemos el proyecto

Hoy en día no podemos hablar de educación sin hablar de proyectos, y esto es lo que hemos comenzado a hacer hoy en arte. Eligiendo una obra dearte entre las que podiamos contemplar en la pared para después poder aplicarla cada uno de nosotros y elaborar otra obra que nos llegue desde nuestro punto de vista.

Obra elegida:

En esta obra a simple vista podemos ver el juego del ajedrez, donde las piezas son muebles. Tras haberlo hablado con mis compañeros, nuestra interpretación del juego ha sido la batalla que se produce a la hora de repartir las tareas del hogar, ya que, el tablero del ajedrez representa un campo de batalla, en el que las piezas vienen y van, metaforicamente muriendo para así conseguir la victoria de uno de los jugadores.

Aquí es donde todos los de mi grupo, con ilusión, nos embarcamos en la ardua tarea de realizar un proyecto similar. Nuestra primera idea ha sido realizar este mísmo tipo de ajedrez pero con objetos que muestren en un lado el estudio, y en el otro lado, el ocio. Así quede plasmada nuestra batalla diaria que nos hace levantarnos de las camas a primera hora de la mañana y a llegar agotados a la noche tras los últimos momentos de estudio y actividades.

Por lo que, y para acabar esta entrada me pregunto. ¿Como acabará este proyecto?

¿Hablamos de arte? Dejemos ese tema a los simpson.

Bueno, este episodio de los simpson tiene mucho que ver con la asignatura. Como hemos visto con anterioridad, las técnicas artísticas han variado a lo largo del tiempo. Desde la pintura y la escultura en la antiguedad, hasta la explosión de nuevas técnicas que se vienen dando desde el siglo XX, entre las cuales destacan la performance, o el net-art.

En este capítulo, podemos ver como el arte puede ser utilizado para criticar, en este caso por bart, a una persona o modelo de persona, en este caso representada por homer. Sería muy interesante utilizar este capítulo en la asignatura de arte de primaria, ya que los niños conocen a los Simpson, y les motivará ver un capítulo en clase, lo que podría llevar a observar este tipo de arte con un mayor detenimiento este tipo de arte y a analizar las funciones del arte en la sociedad. Es por tanto una manera de conectarcon los intereses del alumando y explorar las técnicas artísticas dentro de otra técnica artística que es la animación.

Por esto creo que es una actividad ideal, con poder motivador y que hará que más de un alumno se interese por el arte.

De esencialistas y contextualistas

Quede claro que el Arte es una asignatura que ha sido despreciada e incluso olvidada en el curriculum escolar. Desde que eramos pequeños, el arte no ha sido más que "un par de horas semanales en plastica y otro par en música" en las que no aprendiamos sobre arte, sino a tocar la flauta y a hacer dibujitos sobre cualquier chorrada. Sin embargo, el ARTE en mayúsculas es otro concepto, una educación en arte podría permitir a los alumnos desarrollarse íntegramente como personas, apreciando de otro modo las cosas que ven y adquiriendo nuevas herramientas que les permitan analizar sus problemas desde distintas perspectivas y a adentrarse en su contexto cultural desde obras auténticas y no sólo los libros de texto, como hasta ahora se ha venido haciendo. Sin embargo, los centros todavía no actúan así, y esto nos lleva a volver al principio de esta triste historia: el arte está despreciado. Pero, como futuros profesores ¿Podremos hacer algo para cortar este circulo vicioso? Cabe decir que en nuestras manos está enseñar a las futuras generaciones desde la educación reglada, y que en un futuro nosotros deberemos ser los valientes que se enbarquen en este arduo proyecto o perezcan emulando a los antiguos profesores que les educaron. Esta situación, que nos permitiría un interminable debate, enmarca la cuestión principal de esta entrada: las perspectivas en la enseñanza del arte.

En un primer lugar, podemos decir que, en contraposición a la ciencia que es un saber técnico y estructurado, el arte es un conocimiento complejo, lleno de metaforas que no se pueden entender a simple vista, pero que nos permiten una interpretación personal por nuestro contexto cultural como podemos observar en este ejemplo:

Vladimir Kush - Departure of Winged Ship

En este cuadro vemos un barco alado y gente en el islote que clava banderas en el suelo, lo que podría simbolizar el triunfo del hombre sobre la naturaleza que queda relegada a desaparecer de los dominios del hombre.

Frente a esta interpretación personal podriamos ver la interpretación de una persona con otro contexto que diría que el barco es un regalo del hombre hacia el mundo y que en el contiene los bienes naturales que el hombre a podido conseguir representados en las mariposas de las velas del barco.

Es por esto por lo que podemos afirmar que las obras de arte las trabajamos no solo desde el mundo real sino que también entra en juego nuestro mundo cultural.

Desde aquí podemos observar las distintas teorías que nos dejan ver distintas maneras de incluir arte en el currículum y mejorar la actual manera de enseñar el arte. Estas teorías son la esencialista y la contextualista.

A grandes rasgos, la teoría esencialista propone enseñar lo que hace único al arte e incluirlo en el currículum para así permitir una transmisión del conocimiento, por lo que los profesores ideales para ese enfoque serían catedráticos de historia del arte o directamente artistas.

Por el contrario, el enfoque estructuralista propone partir de las necesidades del alumnado y a partir de este formar el currículum para a través del arte lograr una transmisión de valores. Esta teoría permite que a través del arte se expliquen contenidos de otras asignaturas desde diferentes perspectivas a través del arte.

A partir del texto "por qué enseñar arte" y añadiendo parte del texto de "Arte, mente y cerebro" creo llegar a la conclusión de que el entorno y el contexto social son muy necesarias para el correcto desarrollo de las capacidades artísticas, por lo que, desde mi punto de vista, sería mucho más útil una metodología desde el enfoque estructuralista, conectar con los valores y las emociones del alumnado, de este modo mejoraríamos su autoestima y permitiríamos que ellos mísmos busquen una retroalimentación viendo distintas obras de arte en los museos o internet, y que incluso se deleiten con las portadas de sus videojuegos, cómics o libros favoritos, siendo capaces de verlo como arte.

Una evaluación de necesidades nos puede llevar a una educación mejor en este aspecto, ya que la enseñanza del arte no se puede dar sin conocer las necesidades, y creo que una buena evaluación de necesidades aumentaría la motivación de los niños y su autoestima, sintiéndose seguros para continuar avanzando en sus estudios.

La Exposición

A día de hoy, todos los alumnos del 1er grupo de 2º de carrera hemos ido a ver la exposición "Fuera de juego". en Esta exposición hemos sido capaces de entrar, con la visión que tenían los autores (Pacientes de Esquizofrenia) gracias a las obras que nos han dado y nuestra capacidad de interpretar el significado que estas obras tienen. Pongamos un ejemplo:

Obra de la exposición "Fuera de juego"

En esta primera imágen podemos observar lo que a primera vista parece un futbolín, un juego pensado para dos personas, pero los autores de esta obra son pacientes de esquizofrenia y tienen serias dificultades para relacionarse, y por lo tanto no son capaces de jugar con los demás. Esto se ve reflejado en la obra. El futbolín, sólo tiene uina fila de jugadores, colocados además de manera incorrecta, y en los dos extremos tiene bordes para agarrar la fila, pero están tan separados que resultaría inutil tratar de jugar con ellos. Esto refleja la realidad de las personas que lo han hecho, dándonos a ver las dificultades de su día a día.


Esta primera obra nos permite, además, trabajar con alumnos de primaria varias cosas, desde un planteamiento sobre las normas del juego, introduciendo preguntas de tipo ¿De esta manera se puede jugar a Fútbol? ¿Qué normas podría tener un juego como este?... Hasta temas más profundos como la visión de la realidad de las personas con algún trastorno mental con preguntas del estilo ¿Por qué creeis que están alineadas de esta manera las figuras?...

Otra de las obras que me gustaría comentar es la institución que podíamos observar a la entrada de la exposición.

Detalle de "El resultado nunca está decidido"

"El resulrado nunca está decidido"

En esta obra, representadas con camisetas y un balón de fútbol, encontrabamos la metáfora de la vida diaria de estas personas, en la que podemos encontrar el choque de sentimientos negativos, como el miedo y la tristeza, con los aspectos positivos de su vida, como la familia y la esperanza. Siendo demás una obra grande en la que te puedes meter, por esto me parece una obra idonea para motivar y trabajar las cuestiones de la vida de las personas que tienen problemas mentales en el último ciclo de primaria, y utilizando como última pregunta ¿Y vosotros, que equipo creéis que gana?

Por último, hay otra obra que me gustaría comentar. Titulada "Jaque Mate", muestra a través del ajedrez la visión de estas personas siémpre metafóricamente. Ante esta obra se debería preguntar el significado de los colores a los propios autores para poder comprender que significa y darle una interpretación correcta, pero, sería interesante observar las interpretaciones que un niño de primaria puede dar.

"Jaque Mate"

Día 1 de arte ¡A toda vela!

¡Qué gran mentira es que los primeros días de una asignatura son relajados!, lo que yo esperaba como una tranquila presentación sin mucho que hacer ha terminado resultando una actividad dinámica en la que entre grupos hemos intentado realizar una definicón de arte, primero, con nuestro propio criterio y depués, con ayuda de las definiciones de otros autores.

 Las discordancias entre nuestro grupo eran evidentes, María creía que el arte solo podía ser considerado como tal si era producto de la acción humana, mientras que Laura y yo, por el contrario, defendíamos que el arte también puede estar presente en la naturaleza en espectaculos naturales como una puesta de sol o la tela de una araña. Sin embargo, emos estado de acuerdo en otros aspectos: Todos opinabamos que para poder considerar algo como arte, debería transmitir unos sentimientos u emociones, que es un tema subjetivo, por lo que cada persona considerará arte una cosa distinta, que debe de ser una obra original y que se considerará arte dependiendo del contexto cultural y pensamiento de cada persona.

Esta actividad me trae recuerdos de la asignatura de artes y patrimonio histórico del 2o semestre, en la que se nos dió una definición de arte teórica e indiscutible con la que nadie creo que coincidiera. Lo que en mi opinión, es mucho menos válido que lo que hemos realizado hoy en clase, ya que no podemos imponer ningun concepto a nuestros futuros alumnos, y mucho menos algo tan abstracto como el concepto de arte.

Bienvenid@s a mi prtafolios de arte

Hola a todos, soy el autor de este blog, Peio Goñi, estudiante de 2º de Grado de maestro en educación primaria en la UPNA, y realizo este blog como parte de la asignatura "Educación artística" Espero que os guste, y si quereís comentad lo que queraís en cada una de las entradas del blog.

Avisos:

- Este blog es personal, refleja mis opiniones, que pueden no ser las mismas que las tuyas.
- Este blog no está ideado para ofender a nadie
- Esta herramienta está pensada para ampliar mi visión artística, así como la del lector.

Nada más, empiezo con el blog:

Habiendo estudiado en los colegios Escolapios y Sagrado Corazón, y con una mente más científica que artística, me embarco en esta aventura con altas expectativas, espero ampliar mis horizontes con esta asignatura, aprender a disfrutar con el arte, el convencional y el que no lo es tanto, pero, sobre rodo, espero adquirir las habilidades para ser un buen profesor de arte en el futuro y no caer en los errores del pasado.

Nada más.